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Protesters in the street
Director’s Notebook

Rama Thiaw: On Filmmaking in Post-Colonial Senegal and "Televising the Revolution"

Hot Docs: The Revolution Won't be Televised was selected for the International Forum of New Cinema, considered the most daring section of the Berlinale. What makes the story you tell daring?

Rama Thiaw: This is the story of three friends, three musicians, Thiat, Kilifeu, and their friend and manager Gadiaga, who involuntarily find themselves at the head of a revolution they wouldn’t have believed possible in Senegal. Besides the human adventure, the film tries to grasp what political commitment looks like on a day-to-day basis, to show what lies behind the scenes: What are those small daily actions that spark the big actions and revolutions?

Hot Docs: You were chosen as a Hot Docs-Blue Ice Fund grantee in 2013, receiving production funding. You also had the opportunity to take part in the Hot Docs-Blue Ice Lab at Hot Docs in 2014 to workshop your project with editor Enat Sidi. What was the lead up of coming to Toronto and then what happened when you were here?

Rama: It really motivated the artistic direction and funding of my project. When I discovered the Hot Docs-Blue Ice Group Documentary Fund at Durban in 2013 where I was as talent, I also discovered a fund that not only finances films, but also guides the financed projects. That mentorship is made possible thanks to two workshops: the first one in Toronto and the second one at the Durban International Film Festival. To meet up with committed mentors allows you to grasp the movie industry in a less abstract and more concrete way. Personally, it allowed me to be more confident, to tell myself that I wasn’t the only person to experience those impasses and anguishes. The job of a film director is a solitary one, in which you move from very distinct steps: from writing to development, funding to shooting preparation, location scouting to shooting, and finally to post-production. At every step we collaborate with different people and personalities but at the end of the day, we are the only ones who go through the whole process from start to finish.

To be selected by this fund and to meet up in Toronto with other filmmakers from such different backgrounds, yet with common ground, such as Naziha Arebi, Samora Sekhukhune, Saad Said and Yves Montand, made me feel like I was part of a team: a team of young filmmakers like myself who want to bring new images from the African continent, with modern and urban approaches.

During the process of the film, I was completely blocked at a crucial point—the editing. From the beginning, the production of the film was French, since we don’t have a well-known film industry Senegal. Therefore, our funding and our industry mainly came from France commissioner, and why our documentaries are usually funded to be screened on television and not on the silver screen.

Consequentially, African movies are under-represented in France despite their numbers. The types of documentaries are also very specific: often ethnographic documentaries portraying ancestral rites, villages or the issue of excision. Otherwise, there is the tendency to emphasize Africa’s poverty and backwardness with subjects such as famine, child soldiers, war, black slaves trade, oral traditions, etc;  those long shots of pirogues at dusk with a straw hut in the background, almost nothing about the city life, the modernity of our post-independence societies.

Hence, we have films that are very calibrated—artistically and strictly formatted—to be shown on television channels specializing in reportages on travel, ancient history and landscapes. It’s definitely trailblazing in the eyes of French distributors to talk about young people who make hip hop, think and revolt, and live in cities; and to do so as a full length feature film. It’s was definitely out of character for an African female filmmaker, with filmmakers needing to be either a household name or familiar to filmmakers of the Western world, or both.

My film was completely out of sync with the boxes it could fit into. It was anachronistic with regards to current events: because the revolution was over and the media didn’t talk about it anymore—if they had talked about it at all. It was neither political enough to be categorized as historical and political, nor musical enough to be labelled a music documentary, and thus impossible to program. There is an industry preventing us from making our films, although it is never explicitly said. The relationship between France and its ex-colonies is very strong; it’s a reality and not a myth.

My French partners wanted me to finish the editing of the film in six weeks. I had to choose between doing a simplified 52-minute film that would fit the traditional audiovisual slots with my partners backing me for the sound editing, mixing and finishing touches, or I could edit the film the way that I had dreamed, written and shot, but had not yet “found.” I chose the latter option. As a result, my partners abandoned me and I was left alone with an incomplete film without any possibility of funding in France. Back then, there was no Senegalese fund for cinema and I was forced to search elsewhere (since 2015, we have a public fund named FOPICA). So after the Durban festival I applied for the Hot Docs-Blue Ice Group Documentary Fund and came to Toronto for my first workshop on the North American continent.

My financial and artistic block started to unblock with new ways to understand documentary filmmaking and new work methods. During the workshop, mentors such as editor Enat Sidi reassured me by explaining that it took them several months to edit a full length feature film and that doing it in a few weeks wasn’t the norm. Also that there is not a rule of thumb for editing, since every film has its own length and production speed. It gave me the green light and also the responsibility to take the time needed to edit the film: to find it and to make it a reality. That reassured me enormously and gave me a confidence boost to complete the film.

I have found in Enat Sidi, Orlando Bagwell and Noland Walker people who supported me artistically, and who told me my film was an important one to make. We often think that supporting a film is to grant it funds, but to support a film is also to guide a project and its director humanely and artistically.

Hot Docs:  What was it then like to jump into pitching the project at Hot Docs Deal Maker?

Rama: Although I didn’t close any concrete deal, the mere fact of being confronted by distributors and sales agents helped me redefine my film every time. The very idea of a film evolves over time and throughout the creative process. To recall and reveal the purpose behind the film, its real origin, its real story is as complicated as creating the film. To learn how to pitch forces you to ask yourself every time what film you want to make. I have to admit that it is not my favorite part of the process. But I realize that my job is also a commercial one and that we need to sell and know how to sell, which brings you back down to earth.

Hot Docs: This is your first feature length doc. Have you run into unexpected challenges along the way?

Rama: This is my second full length feature film and both presented challenges and obstacles. With each of them, I learned something technically, artistically, administratively, commercially and more importantly, about myself and my own limits.

Before my first full length feature documentary, I shot a bit with several little digital cameras but I didn’t dare to shoot a complete film by myself. I worked with directors of photography, but during a shoot my director of photography Rodolphe Respaud got sick. We had to continue shooting no matter what, so I had no choice: I took the camera to make my film. That experience gave me confidence in my style of shooting. It might be an unorthodox way but I found my way of filming, of looking at human beings, bodies and things. It gave me confidence in my viewpoint because a filmmaker is at the same time an illustrator, a painter, a musician, a photographer, an architect. That totality and multiplicity defines the filmmaker’s perspective.

With my second film, which was my first production from beginning to end, I learned how to edit a film. Before that, I mostly had a theoretical knowledge of editing. Even though I had some concrete experience, I had never dealt with the machine and with the editing software. I wouldn’t say that I have become an expert on Final Cut Pro 7, but I have learned how to use it. And I mostly learned how horrible it is to subtitle on that software. Give a friend the hours of rushes to translate and subtitle in French and then in English, and I can guarantee you that they will become your enemy!

Hot Docs: You studied economics. Why did you shift into documentary? Were your economics studies an asset on this particular film?

Rama: It’s a complex life journey, which originated long before my studies in economics. I have always drawn and as a child I dreamed of becoming a poet. I studied economics in order to help my people in Senegal. I wanted to understand the reasons why a country as full of resources, potential and creativity as Senegal is so poor economically. I wanted to understand those reasons to be able to develop successful economic policies that could end its “underdevelopment.”

Fortunately, I had the lucidity to grasp that I would not change anything from an economic standpoint. In the best case scenario, I would have become an executive at bank or an international organization, and only after huge sacrifice, as our capitalist system doesn’t give opportunities to disadvantaged youth, let alone to a black African woman. After climbing the organizational ladder, I would have implemented the same economic policies that have led my country to a state of poverty. The worst thing is that I would have then been part of that completely disconnected elite.

I knew that it would not be with economics that I would help my fellow citizens and be fulfilled. I recalled one of my childhood dreams: to do something like Apocalypse Now, to make a film. I think the film medium is the best way to transmit an idea. You find televisions, screens and smartphones everywhere, and even if people don’t understand the language, they understand the image.

If we deconstruct the image that has been enforced for centuries, a degrading image of the black man in opposition to that of the dominant white; if this image becomes one of a human being equal to the hegemonic white man, then Africans will not underestimate themselves. They will be able to achieve great things without thinking that they are powerless because they do not set the rules of the game. We have to claim back the collective unconscious with an image to work on the imagination.

If the image of the black woman can be raised then the dominant white woman will look at that human being as she looks at herself. Empathy becomes possible, and where there is empathy there can be communication, respect, solidarity and collective work.

I would say that my economic studies allowed me to conceive the world as a globalized system composed of interconnected networks. Each system of production, each network is intertwined with another one. It is the lack of depth of the interconnections between different networks that isolates a production system.

For example, the French and Francophone system did not suit me anymore, so I turned to the Anglophone world, but in Africa, and more precisely in South Africa. The unique history of South Africa and its geography have made it a place conducive to relationships between African and American cinema. Going to Durban opened me up not only to other African areas, but also to another continent. South Africa’s interconnections are greater than what I could find in Senegal or in France, and that helped me to finish my film. I finally got out of the industry’s dichotomy between France and Africa. Thanks to the Durban Talent Campus, I discovered the German industry, and later went to the Berlinale as a Talent in 2014.

My economic background also helped me to develop production strategies, to budget for them and to adapt to the expectations of the market without losing sight of my goal, which was to make the film that I wanted.

I think every high school student of the world should study economics. It’s as important as mathematics, philosophy and art. It helps to comprehend today’s world where politics is subservient to economics.

Hot Docs : What was the biggest lesson you learned from making The Revolution Won't Be Televised?

Rama: To be resilient in the face of challenges when you firmly believe in an idea, in a film. You have to be as resilient as a marathon runner, that’s what I’ve learned.

Hot Docs :  Are you working on anything else right now?

Rama: I have dedicated myself to my upcoming documentary Zion Music,about African reggae and African political history from the ‘80s to the present day.  




Hot Docs: Votre film The Revolution Won’t Be Televised a été sélectionné pour le Forum international du nouveau cinéma, considéré la section la plus audacieuse de la Berlinale. Qu’est-ce qui rend l’histoire que vous racontez si audacieuse ?

Rama: C’est l’histoire de 3 amis, 3 musiciens, Thiat, Kilifeu et leur ami et manager Gadiaga, qui se retrouvent malgré eux à la tête d’une révolution qu’ils n’auraient jamais crue possible au Sénégal. Au-delà de cette aventure humaine, le film essaye de comprendre ce qu’est l’engagement au quotidien, du point de vue des coulisses, du point de vue de ces actes anodins du quotidien qui forgent les grandes actions et les révolutions.

Hot Docs: En 2013, vous avez été choisie comme boursière du programme Blue Ice, recevant aide à la production. En 2014, vous avez aussi eu la chance de prendre part au Blue Ice Lab à Hot Docs pour travailler sur votre projet avec monteuse Enat Sidi. Quelle a été votre expérience ?

Rama: C’était vraiment une nouvelle impulsion pour mon projet, sa direction artistique et son financement. Lorsque j’ai découvert le fonds HDBI à Durban en 2013, où j’étais en qualité de Talent, j’ai découvert un fonds qui au-delà des fonds apportés au film, accompagne les projets financés. Cet encadrement se fait à travers deux workshops l’un à Toronto et le second au Festival International du Film de Durban. Rencontrer des mentors réellement investis, permet d’appréhender l’industrie du cinéma d’une manière moins abstraite et plus concrète. Personnellement, cela m’a permis de me sentir en confiance, de me dire que je ne suis pas la seule à vivre ces impasses et angoisses. Car le métier de réalisateur est finalement un métier très solitaire, où l’on passe d’étapes en étapes très différentes, que ce soit de l’écriture au développement, du financement à la préparation du tournage, des repérages aux tournages, pour enfin aboutir à la post-production, avec ses nombreuses étapes, et même lorsqu’on croit que c’est fini, il reste encore la distribution à affronter.

Et à chaque fois nous collaborons avec différentes personnes et personnalités, mais nous sommes les seuls à traverser toutes ces étapes du début à la fin.

Et du coup, être sélectionnée pour ce fonds, puis rencontrer à Toronto d’autres réalisateurs et réalisatrices comme Naziha AREBI, Samora SEKHUKHUNE, Saad SAID et Yves MONTAND, avec des parcours complètement différents mais avec de forts points de convergence, a fait que je me suis sentie dans une équipe : celle de jeunes réalisateurs qui comme moi, ont envie d’apporter de nouvelles images en provenance du continent africain, avec des approches modernes et urbaines.

Dans mon parcours de film j’étais complètement bloquée dans une étape cruciale qu’est le montage.

Il faut comprendre que j’ai commencé ce film dans un processus de production français, puisqu’au Sénégal, nous n’avons pas d’industrie digne de ce nom. Donc nos financements et notre industrie proviennent majoritairement de la France, ce qui fait que nos documentaires sont très souvent des documentaires financés pour être des œuvres télévisuelles et non pas cinématographiques.

Pour plusieurs raisons spécifiques, mais le résultat de toutes ces raisons est une sous-représentation des films africains en France, malgré leur nombre. Avec un type de films documentaires bien spécifique c’est-à-dire très souvent des films à caractère ethnographique. Des films qui mettent en avant des rites ancestraux, des villages, ou qui parlent de problèmes d’excision….Ou encore une autre tendance, la tendance « misérabiliste » d’une Afrique pauvre et en retard, avec des sujets autour de la famine, des enfants soldats, de la guerre, de la traite négrière, de traditions orales avec le bon griot qui joue de la kora etc. Ces plans de pirogues sur le fleuve au moment du coucher de soleil, avec au loin une case en paille… Quasiment rien concernant l’urbanité, la modernité de nos sociétés post-indépendances.

Donc des films très calibrés artistiquement et très fortement formatés pour être diffusés en télévision sur des chaînes qui montrent des grands reportages sur les voyages, l’histoire ancienne et les paysages…

Du coup avoir l’ambition de faire autre chose artistiquement, parler de jeunes qui font du hip-hop, qui pensent et font une révolution et qui évoluent dans des villes, et en plus en format long métrage destiné aux salles de cinéma, c’est aller à contre-courant des attentes des diffuseurs français.

Car la modernité et l’originalité de ces sujets sont laissés soit à des réalisateurs de renom, soit à des réalisateurs occidentaux et très souvent les deux, des réalisateurs reconnus et occidentaux. Mais certainement pas à des réalisatrices africaines.

Mon film était un ovni par rapport à ce que l’on me proposait et aux cases dans lesquelles il pouvait entrer.

Anachronique par rapport à l’actualité, puisque la révolution était passée et que les médias n’en parlaient plus, pour ceux qui en parlaient.

Pas entièrement politique pour rentrer dans les cases histoire et politique, pas entièrement musical pour rentrer dans les docs sur les musiciens…Bref inclassable, donc inprogrammable…

Bref, il existe une industrie qui nous empêche de faire nos films, sans que cela soit frontalement nommé et dit. Et ce rapport entre la France et ses ex-colonies est très fort et présent, c’est une réalité et non pas un mythe.

Aussi, mes partenaires français voulaient que je boucle mon film en 6 semaines de montage. Au bout de 12 semaines mon ours (assembly) n’était toujours pas fait.

J’avais le choix de faire un film simplifié de 52 min et de rentrer dans les cases audiovisuelles et mes partenaires m’auraient suivie pour le montage son, mixage et finitions. Ou alors, continuer seule à monter le film que j’avais rêvé, écrit, filmé mais que je n’avais pas encore trouvé. J’ai choisi la deuxième option, mes partenaires ont quitté l’aventure et je me suis retrouvée seule face à un film non abouti et avec aucune perspective de financement en France. Et à cette époque-là, il n’existait aucun fonds sénégalais pour le cinéma, alors j’ai commencé à chercher ailleurs. (PS Depuis 2015, nous avons un fonds étatique qui se nomme le FOPICA).

C’est ainsi qu’après le festival de Durban, j’ai postulé au Blue Ice Fund et suis venue à Toronto pour mon premier workshop, sur le continent nord-américain.

Et mon blocage financier mais aussi artistique a commencé à trouver des solutions, avec d’autres manières d’appréhender le film documentaire.

Avec d’autres méthodes de travail, et lors du workshop des mentors comme la monteuse Enat Sidi, m’ont rassurée en m’expliquant qu’ils mettaient des mois à monter un long métrage et que vouloir faire cela en quelques semaines n’était pas une norme. Qu’il n’existait pas une seule règle de montage, que chaque film a sa durée, son rythme de production. Que je devais mais aussi que je pouvais prendre le temps de monter mon film, de le trouver et de lui donner corps.

Cela m’a énormément rassurée sur mes doutes et cela m’a donné plus de confiance dans mes capacités à mener à bien ce film.

J’ai trouvé en Enat SIDI, mais aussi en Orlando Bagwell et Noland Walker des personnes d’expérience qui m’ont artistiquement confortée et m’ont soutenue en me disant que mon film était un film important, qu’il fallait que je prenne le temps de bien le finir et surtout de ne pas bâcler par impatience ou par découragement.

Souvent on pense que soutenir un film c’est lui donner des fonds, mais soutenir un film c’est surtout accompagner humainement et artistiquement un projet et son réalisateur.

Hot Docs: Quel effet cela a-t-il fait de présenter ensuite votre projet dans le cadre de Hot Docs Deal Maker ? Avez-vous pu établir des relations fructueuses ?

Rama: Même si cela ne m’a pas permis de conclure des deals concrets, le fait d’être confrontée à des distributeurs, sales agents etc., m’a permis de réellement redéfinir à chaque fois quel était mon film.

L’idée même d’un film évolue au cours du temps et des étapes du processus de création.

Se rappeler ou se révéler le réel motif de son film, sa réelle origine, sa véritable histoire est un processus aussi compliqué que de créer en soi.

Et d’une certaine manière apprendre à « pitcher » nous force à chaque fois à nous poser cette question, à reformuler quel est exactement le film que nous voulons faire. Même si je dois avouer que jusqu’à présent ce n’est pas l’exercice que je préfère. D’une certaine manière, en « pitchant » un projet on se rend compte que nos métiers sont aussi des métiers commerciaux, il faut vendre et savoir vendre…Cela nous ramène sur terre…

Hot Docs: S’agit-il de votre premier long métrage documentaire ? Avez-vous rencontré des difficultés inattendues en cours de route ?

Rama: Ceci est mon deuxième long métrage et sur chaque film, on fait face à des défis, des obstacles. Sur chacun d’eux on apprend des choses techniquement, artistiquement, administrativement, commercialement mais aussi et surtout sur soi et ses propres limites.

Avant mon premier long métrage documentaire, je filmais un peu avec différentes petites caméras numériques mais je ne me sentais l’audace de cadrer tout un film, seule. Alors j’ai pris des chefs opérateurs-cadreurs, mais lors d’un tournage mon chef opérateur Rodolphe Respaud est tombé malade. Nous devions impérativement tourner, alors je n’ai pas eu le choix, j’ai dû prendre la caméra et cadrer mon film. Et cette expérience m’a donné confiance en ma manière de filmer, certes peu orthodoxe, mais j’ai trouvé ma « façon » de filmer, de regarder les êtres, les corps et les choses. Cela m’a donné confiance en mon regard, car un réalisateur est tout à la fois un dessinateur, un peintre, un musicien, un photographe, un architecte... Et c’est cette globalité et cette multitude qui définit son regard.

Sur mon deuxième film, hormis le fait que c’était ma première production d’un bout à l’autre du processus de création d’un film, j’ai appris en tant que cinéaste à monter techniquement. Avant cela, je n’avais qu’une connaissance plutôt théorique, et même si j’avais eu des expériences concrètes, je ne m’étais jamais confrontée à la machine, au logiciel de montage durant des mois, presque une année entière.

Je ne dis pas que je suis devenue une pro de Final Cut Pro 7, mais j’ai appris à le manier.

Et j’ai surtout appris l’horreur que c’était de sous-titrer un film sur ce logiciel…

Si vous avez un ami, donnez-lui 3 heures de rush à traduire et sous-titrer en français puis en anglais et je peux vous assurer qu’il deviendra votre ennemi !

Hot Docs: Vous avez d’abord fait des études en économie. Pourquoi vous êtes-vous ensuite tournée vers le documentaire ?

Rama: C’est un parcours de vie complexe qui trouve ses raisons bien avant mes études d’économie. J’ai toujours dessiné et enfant je voulais être poète. J’ai fait de l’économie pour aider les miens au Sénégal, je voulais comprendre les raisons qui faisaient que le Sénégal, un pays si riche en ressources, potentiel et créativité était si pauvre économiquement. Je voulais comprendre ces raisons pour élaborer des politiques économiques qui puissent le sortir de son « sous-développement ».

Mais en réalité, j’ai eu cette lucidité qui m’a fait comprendre que je n’allais rien changer du côté de l’économique. Qu’au mieux je deviendrais cadre dans des banques ou organisations internationales, et cela qu’au prix d’énormes sacrifices, car notre système capitaliste ne donne pas sa chance aux jeunes issus des classes sociales pauvres, et encore moins lorsqu’on est une femme noire et africaine.

Donc après de long mois de chômage, d’humiliations, j’aurais dû franchir les étapes une à une avant d’être cadre dans un beau bureau, en haut d’une tour, et à mon tour appliquer des politiques économiques qui auraient renouvelé à l’identique l’état de pauvreté de mon pays. Et pire encore, bien que j’aurais eu une certaine stabilité et un certain confort économique et social, j’aurais moi aussi fait partie de cette élite complètement déconnectée des réalités des populations. Et j’aurais fini par appliquer ces mêmes politiques que je voulais combattre.

Alors j’ai su que ce ne serait pas par l’économie que j’allais à la fois aider les miens et m’épanouir. Alors je me suis rappelée d’un de mes rêves d’enfance, celui de vouloir faire comme « Apocalypse Now », faire un film, du cinéma.

Et puis l’image est le meilleur vecteur pour transmettre une information, une idée aujourd’hui. Car même au fin fond de la brousse on trouve des télés, des écrans, des smartphones et même si les gens ne comprennent pas la langue, ils comprennent l’image.

Si l’on redonne une meilleure image aux gens du quotidien en Afrique, aux personnes non connues, si l’on déconstruit l’image qu’on leur a assénée depuis des siècles, une image dégradante de l’homme noir en opposition à une image dominante blanche ; si cette image redevient celle d’un être humain, égale à celle des hommes blancs hégémonique, alors, cet africain ne se sous-estimera pas. Il pourra accomplir de grandes choses, sans penser qu’il n’en est pas capable car ce n’est pas lui qui fixe les règles du jeu.

Travailler sur l’image pour travailler sur l’Imaginaire, cet inconscient collectif que nous devons nous réapproprier.

Si l’image de la femme noire est rehaussée à sa juste valeur d’être humain, alors la femme blanche dominante regardera cet autre humain comme elle-même, ainsi l’empathie peut être possible et là où il y a empathie il peut y avoir communication, respect, solidarité et œuvre collective.

Regarder l’autre comme soi-même.

Hot Docs: Vos études en économie ont-elles été un atout pour ce film en particulier ? De quelle façon ?

Rama: Je dirais que mes études d’économie m’ont permis de concevoir le monde comme un système globalisé, composé de réseaux qui forcément sont en connexion. Chaque système de production, chaque réseau est interconnecté à un autre, bien que divers et différents. C’est la grandeur ou pas des interconnections entre les différents réseaux qui isole plus ou moins un système de production.

Par exemple, le système français et francophone ne me convenait plus alors j’ai cherché du côté anglophone, mais sur le continent africain, plus exactement en Afrique du Sud. L’histoire particulière de l’Afrique du Sud, sa géographie, en ont fait un lieu propice aux relations entre industries du cinéma américain et africain. Aussi, aller à Durban, en plus de m’ouvrir à d’autres territoires africains, m’a ouvert à un autre continent. Ainsi je suis sortie de la dichotomie de l’industrie qui a lieu entre la Françafrique. Mais en ayant fait la Durban Talent Campus, j’ai aussi découvert l’industrie allemande par le biais de la Talent Campus, puisque j’ai été à la Berlinale par la suite en qualité de Talent en 2014. Donc je peux dire que les interconnexions de l’Afrique du Sud sont bien plus grandes que celles que je pouvais trouver au Sénégal ou en France, et c’est cela qui m’a aussi permis de finir mon film.

La rigueur de l’économie m’a aussi aidée pour les stratégies de production, pour monter des dossiers, les budgétiser et les rationnaliser en m’adaptant aux attentes de chaque marché sans pour autant perdre de vue mon objectif final qui était de faire le film que je voulais.

Je pense que tous les lycéens du monde devraient apprendre l’économie. C’est aussi important que les mathématiques, la philosophie ou les arts.

Cela permet d’appréhender le monde dans lequel nous vivons où le politique est inféodé (soumis) à l’économique.

Par ailleurs, cela permettrait à beaucoup de comprendre que le libéralisme n’est pas l’économie.

Il existe plusieurs courants de pensée dans l’économie. Le libéralisme, ou mot moderne pour désigner le capitalisme avec sa dominante financière, n’est qu’une branche de pensée de l’économie parmi d’autres.

Hot Docs: Quelle leçon avez-vous tirée de votre expérience de réalisation de The Revolution Won't Be Televised?

Rama: L’abnégation face aux épreuves, la nécessité d’être résistant à toutes épreuves lorsqu’on croit à une idée, un film. Oui, il faut être résistant comme un coureur de marathon, c’est cela que j’ai appris.

Hot Docs: Travaillez-vous en ce moment sur d’autres projets dont vous voudriez nous parler ?

J’espère pouvoir me consacrer à mon autre film documentaire « Zion Music » sur le reggae africain et l’histoire politique africaine depuis les années 1980.


Interview conducted by Madelaine Russo. 

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